Альбрехт Дюрер, гравюра "Меланхолия". Инструмент с гравюры "Меланхолия" Дюрера. Техники ювелирной гравировки

Начиная с 15 века и только в 19 веке начали использовать стальные дощечки. Более богата и разнообразна по тональному рисунку. Рисунок врезывается на металле. Барма – выступы, стружки. Босх. Печатается под прессом. На металле можно сделать меньше бороздков около 100, а не 1000, как на ксилографии. Эстамп – отпечаток.

Химическая гравюра - Сухая игла. Действие краски усиливается с помощью кислоты. На медной пластине процарапывается. Линии с нечеткими краями, образованные благодаря барме. Эффект более мягкий. Максимум можно сделать 10 отпечатков.

Офорт – доска металлическая покрывается слоем специального грунта (асфальт, воск) нагревают, коптят. Процарапывается метал вплоть до того чтобы снять лак. Потом доска обрабатывается кислотой, которая не взаимодействует с лаком, но взаимодействует с металлом. Поэтому при отпечатывании появляется идеально ровный рисунок, линии, доску можно травить и печатать много. Дает световоздушные перспективы. Используется в пейзажах.

· Офорт+ Сухая игла. Рембрант

· Мягкий лак. 17 век. К лаку примешивается животный жир. На металлическую доску накладывается бумага, на ней делается рисунок и от давления и поле травления получится мягкий, бархатистый рисунок.

· Акватита – 1765. (Жан Батист Ленпренс) Конец 17-18 века. Живописное свойство графики. После травления специальный грунт, грунт смывается и запылятся асфальтовым порошком. После нагревания он плавится. Затем опять протравливают и килсота разъедает асфальтовые поры. Для ещё более темного света протравливается и покрывается ещё раз, а свет покрывается лаком. Томас Мальтон

· Меццо-тинто (с конца 17 века) – Черная Манера. Людвинг Вон Зигинмунд. Портер Амили фон. Доска подготавливается специальным инструментами которые шкрябает металл, чем больше выемок, тем темнее потом с помощью ножа выравнивается, шлифуются зазубринки, там где будет белая линия. Франциско Гойя. Только тональный рисунок.

· Меццо-тинто+ офорт

· Акватита +офорт. Ришар

· Литография (гравюра на камне) Рисунок покрывается масляным раствором. Плоская гравюра на масле.

История офорта

· С 14 века до 18 века – живописная техника. Графика вспомогательная. Служебная (14 век) Эскизы.

· 15 век – картоны, которые создавались в реальных размерах изображения, с которых переносили рисунок с картона на стену по сетке. Рембрандт. Пастель

Графически самостоятельные изображения

a. Портреты

b. Пейзажи

· 18 век – строгое,

20 век – ксилография, офорт (Ван Гог). На рубеже 19-20 веков графика меняется. Импрессионисты создали Пуантелизм (от фр слова – пуант

Гравирование - одно из самых древних и благородных способов украшения окружающего мира, которые только известны человеку. Достаточно вспомнить наскальную живопись - это были первые попытки человека вырезать рисунок на твердой поверхности.

В нашей статье мы поговорим о граверном деле. Расскажем о направлениях этого мастерства, об изделиях и их создателях. Но начнем, пожалуй, с истории…

История граверного дела

Считается, что нанесение гравировки как искусство возникло около трёх тысячелетий назад, в Китае. Уже тогда мастера вырезали деления и замысловатые узоры на циферблатах солнечных часов. Несмотря на то, что мягкие резцы того времени плохо подходили для обработки любых твердых материалов, и были малопригодны даже для работы с драгоценными металлами, древним ювелирам удавалось создавать настоящие произведения искусства.

Греческие солнечные часы

Выполнять гравирование стало гораздо проще после того, как в VII веке до нашей эры греческие мастера открыли для себя закалку железа. После этого штихели - т.е. резцы, которые использует художник-гравер - приблизились по твердости к современным образцам, а мастера смогли полностью сосредоточиться на творческой стороне процесса.

Уже в IV веке до нашей эры гравировку использовали повсюду: при изготовлении линейных шкал к водяным часам и пластин для компчасов (аналог современного компаса), для создания ювелирных украшений и медалей. Кроме того, в древней Греции и Риме гравировкой украшали посуду и предметы быта, а кавказские граверы покрывали вязью орнамента и гравированными изображениями животных боевые топоры и другое оружие.

Удивительны образцы гравировки, оставленные мастерами древней Руси. Особенно интересны павловские замки для шкатулок. Это украшенные искусными узорами фигурки скоморохов и всадников, львов и русалок, журавлей и диковинных птиц.

Гравировка на изделиях из золота была популярна в древнем Египте, Сирии, Месопотамии и других странах Востока. В Средние века появилась традиция наносить на ювелирные украшения памятные надписи.

Русские печатные перстни, XV-XVI век

Надписями украшали перстни, броши, кулоны, браслеты, шкатулки, а также любые произведения ювелирного искусства.

Впрочем, действительно востребованным по всему миру граверное дело стало только спустя полторы тысячи лет - в середине XI века. Это была эпоха покорения океана, и созданные искусными граверами компасы и хронометры сыграли в ней совсем не последнюю роль.

История гравировки в России

Еще шесть веков спустя мода на граверное дело пришла в Россию, вместе с великими реформами Петра I. Ранее гравировкой массово украшали лишь деревянные обложки книг и некоторые предметы быта. Настоящий взлет искусства гравировки произошел в XVIII веке, и вновь из-за развития науки: Российской Академии наук понадобилось множество точных угломерных приборов.

Книга с резной деревянной обложкой

Интересно, что в этот же период граверное дело стало востребовано и среди населения: «фряжские листы» - резанные на меди и дереве гравюры - украшали дома купцов и аристократов. Кроме того, гравюры использовали в качестве поздравительных листов или памятных посланий.

Фряжский лист

В XVIII-XIX веке гравировкой пользовались для украшения оружия: искусные картины на холодно блестящей стали были визитной карточкой многих оружейников.

Ружьё работы Пауля Позера

Граверное дело в СССР

С приходом к власти большевиков многие ювелиры были подвергнуты гонениям, а предметы роскоши стали считать преступлением против идеологии. Впрочем, на развитие граверного дела смена власти повлияла… положительно. Да-да, снова наука.

Уже в 1922 году творцам новой эпохи понадобилось колоссальное количество сеток, шкал, лимбов и различных деталей для приборов. А в 26-м году, с созданием лаборатории научной фотографии, стало очевидно: спрос на мастеров граверного дела будет только расти.

Отметим, что в эти годы граверное мастерство вышло на новый уровень: используя комбинированные и фотографические методы, ювелиры могли наносить обозначения и деления с невероятной точностью.

Техники ювелирной гравировки

По технике выполнения ювелирная гравировка сегодня бывает ручной, фрезерной (в том числе алмазная гравировка) и лазерной, также применяется травление кислотами.

Ручная гравировка в ювелирном деле - это отнюдь не надпись на металлическом изделии, которую сделают в любом ТЦ. Инструмент для ручной гравировки - уже упомянутый штихель. На современном производстве художник-дизайнер делает 3D модель изделия - такая работа требует многих знаний, умений, навыков и опыта.

Художник прорабатывает все мельчайшие детали, и только после этого на современном оборудовании вырезается изделие. Но даже после самой точной техники, мастер вручную дорабатывает каждый рисунок. Здесь подход гораздо серьезнее, а результат работы смогут оценить не только заказчики-покупатели, но и коллеги-профессионалы.

Гравер не имеет права на ошибку: любое дрожание руки может бесповоротно испортить изделие. Ручная гравировка - это «ювелирная работа» в самом прямом смысле слова. Сегодня специалисты-граверы, работающие вручную, делают то же, что их предшественники тысячи лет назад. Украшение с ручной гравировкой по-настоящему уникально, другого такого не отыщется в целом свете.

Можно обрабатывать предметы бором, или фрезой. Существует великое множество фрезерных станков и насадок к ним: от пресловутой бормашины до алмазного фрезерного гравировального станка. Алмазная фреза оставляет на поверхности изделия глубокие четырехгранные ямки, создавая эксклюзивное объемное изображение.

Создатель ювелирного дома «Квашнин» выпустил большое количество ювелирно-граверного инструмента, запатентованного Роспатентом. Это оборудование дает возможность выполнять сложнейшие ювелирные работы, украшать гравировкой наградные знаки, медали, кубки.

Настоящее открытие современности - лазерная гравировка. Специальные станок программируется на нанесение определенного изображения, после чего в него помещают заготовку. Лазер испаряет частицы металла, изменяя его структуру и цвет, в результате получается фотографически четкое изображение. Особенной популярностью пользуется лазерная гравировка для изготовления религиозных украшений, в частности нательных икон.

Мастера гравёрного дела

С расцветом гравёрного мастерства в России на Ленинградском и Московском монетных дворах (а позже, в XX веке, и в Гохран России) была воспитана целая плеяда достойных гравёров. В наших статьях можно подробно прочитать про мастеров разных веков, а здесь мы коснёмся истории жизни и работ трёх особо выдающихся гравёров, каждый из которых внёс громадный вклад в развитие русского ювелирного дела.

Иван Алексеевич Соколов

Иван Соколов родился в самом конце правления Петра I. Он стал одним из самых выдающихся мастеров гравюры в истории императорской России. Будущий «художник по меди» учился в художественных классах при Санкт-Петербургской академии наук: рисованию у Шумахера, гравировке у Христиана Альберта Вортмана и Оттомара Эллигера.

В 1745-м Иван Соколов стал главным мастером Академии. За следующие 12 лет он подготовил множество гравёров и сделал всё для того, чтобы гравировальное искусство в России ничем не уступало достижениям западных ювелиров.

Сам Соколов был великим мастером парадных портретов – резных картин, повторяющих живописные оригиналы. Соколову удавалось добиваться невероятной реалистичности материалов и предметов, запечатлённых в его работах: он точно передал шелковистую текстуру меха и мягкое сверкание дорогих тканей, холодные отблески металла и мягкие линии волос. Каждая из работ Ивана Соколова была не просто репродукцией живописи, но настоящим произведением авторского гравёрного искусства.

Михаил Евлампиевич Перхин

Михаил Пёрхин – выходец из семьи крестьян, которые за оказанные Отечеству услуги были освобождены от службы и податей. В 18 лет Михаил уехал в Петербург на заработки, поступил в обучение к ювелиру и навсегда связал свою жизнь с «золотых дел ремеслом». Уже в 26 лет (1886 год) он получил высокое звание мастера и был приглашен работать в мастерскую Фаберже.

Михаил был настоящим гением ювелирного дела: всего спустя два года он открыл собственную мастерскую, стал главным мастером «Фаберже» и получил право на личное клеймо: инициалы «М. П.». Именно этим клеймом украшены 28 из 54-х императорских пасхальных яиц, в том числе такие прославленные работы, как:

  • «Бутон розы»;
  • «Дворцы Дании»;
  • «Транссибирский экспресс»;
  • «Мадонна Лилия»;
  • «Медный всадник»;
  • «Гатчинский дворец» и т. д.

Михаил Евлампиевич Перхин был главным мастером дома «Фаберже» на протяжении 18-и лет. За это время он стал настоящей легендой русского ювелирного искусства в целом, и гравёрного мастерства в частности.

Антон Фёдорович Васютинский

Если говорить о развитии медальерного искусства в России, то первым, о ком стоит вспомнить, будет Антон Фёдорович Васютинский. Этот мастер окончил Академию Художеств в 1888-м году, а уже в 1891-м его работы – медали, представленные на выставке в Париже – были отмечены Почётным дипломом.

С 1893 года Васютинский был старшим медальером на Петербургском монетном дворе. В 1920 году он стал помощником управляющего Медальной и вспомогательными частями (естественно, монетный двор уже стал Ленинградским), в 1922 – управляющим, а в 1926 – главным медальером.

Хотя большую часть жизни мастер работал в Российской Империи (например, именно из-под его руки вышел юбилейный рубль к 300-летию дома Романовых в 1912 году), действительно великий вклад в развитие гравёрного дела он внёс уже в СССР.

Именно Васютинский сделал всё для того, чтобы при Академии Художеств открылось медальерное отделение. Его учениками были Н. А. Соколов, В. В. Голенецкий, С. Л. Тульчицкий и другие выдающиеся мастера. Фактически, Васютинский создал целую школу отечественных медальеров.

Из личных работ Васютинского можно отметить штемпели к монетам СССР: 10, 15 и 20 копеек, серебряные 50 копеек и рубль, золотой червонец. Также он был одним из мастеров, работавших над созданием штемпеля ордена Ленина.

Ювелирная гравировка сегодня

Гравировка остаётся самым лучшим способом сделать украшение или сувенир по-настоящему уникальным, придать ему особенную ценность. Эта техника применяется для нанесения надписей и рисунков на:

  • Кольца;
  • Таблички;
  • Свадебные замки;
  • Шкатулки;
  • Медали;
  • Перстни;
  • Часы;
  • Браслеты;
  • Кулоны, ожерелья и другие украшения.

Вы ищете высокопрофессиональных мастеров граверного дела? Просто в ювелирный дом «Квашнин»: мы сможем выполнить макет любой сложности: качество полученного результата и его высокая художественная ценность позволит с трепетом хранить изделие и передавать его из поколения в поколение.

Возникновение гравюры оказалось звеном эволюции изящных искусств: гравюра на дереве берет свое начало от досок для изготовления набивных тканей, резцовая гравюра примыкает к ювелирному искусству, а офорт имеет общее с ремеслом мастеров-оружейников. Отличительное от других видов искусства качество гравюры состоит в том, что она представляет собой оттиск на бумаге. Именно поэтому родиной гравюры является родина бумаги - Китай.

Гравюра на дереве возникла в Китае не позднее VI века, по крайней мере, с этого времени встречаются упоминания изготовленных таким образом ксилографических книг. Так бы и существовало множество предположений, если бы не находка в 1900 году в Дунхуане (Западный Китай) в пещере Тысячи Будд знаменитой «Алмазной сутры», которая ныне хранится в British Library. Она датирована 868 годом и указанием, что мастер Ван Чи вырезал доски и напечатал книгу «ради поминовения усопших родителей своих». Именно поэтому даже в словаре В.И. Даля ксилография называется «китайским способом печатанья».

Так ныне первая дата в истории гравюры совпадает с первой датой в истории книгопечатания. Однако проникновение гравюры в Европу лишь ненамного опередило изобретение Иоганном Гутенбергом книгопечатания.

Первые образцы западноевропейской гравюры, выполненные в технике обрезной гравюры на дереве, появились на рубеже XIV-XV веков. Они были религиозного содержания, что предопределило распространение этого «ремесла»: сначала это была Бавария, Эльзас, провинции Священной Римской империи; затем стали появляться сатирические листки, календари и азбуки. Первая датированная ксилография называется «Св. Христофор», выполненная в 1423 году. Около 1430 года появляются т.н. блочные книги, где текст и иллюстрация печатались на одной доске, а с 1461 года ксилографии начали употребляться в качестве иллюстраций для печатных книг.

Техника гравюры на дереве довольно проста: на отшлифованную поверхность доски толщиною около 2,5 см наносится рисунок, после чего линии этого рисунка обрезаются с обеих сторон острым ножом, а фон выбирается специальным инструментом до глубины 2-5 мм. После этого доску можно прокатывать краской и выполнять оттиск на бумаге.

Если речь прежде шла о так называемой обрезной гравюре (выполненной вдоль древесных волокон), то в 1780-х годах замечательный английский художник и гравер Томас Бьюик изобрел способ торцовой гравюры на дереве (на поперечном срезе ствола твердых пород). Он сам создал множество шедевров этого жанра - иллюстрации к «Общей истории четвероногих» и двухтомной «Истории птиц Британии». Именно в этой технике в XIX столетии создается множество книжных иллюстраций, которые с добавлением второй тоновой доски назывались политипажами. Наиболее крупными представителями этой техники в России были Лаврентий Серяков и Владимир Матэ.

Особняком стоит искусство восточная ксилография. Если ранее она передавала лишь религиозные иероглифические тексты, то в XVII веке в Японии появляются иллюстрированные книги, а с 1660-х годов - гравюры светского содержания. Расцвет японской ксилографии относится к XVIII веку, когда Окумура Масанобу ввёл двух- и трехцветную печать. Крупнейшим мастером конца XVIII века считается создатель идеального женского портрета Китагава Утамаро, а в I половине XIX века создатели замечательных пейзажей Кацусика Хокусай и Андо Хиросиге.

Резцовая гравюра на металле появилась в середине XV века. Долгое время считалось, что изобретателем этой техники был флорентийский ювелир Мазо Финигуэрра, первая гравюра которого датируется 1458 годом; но эта теория была опровергнута более ранними экземплярами. И ныне древнейшей резцовой гравюрой на меди считается «Бичевание Христа», выполненная неизвестным немецким мастером в 1446 году. А первым, хотя и анонимным, наиболее заметным мастером резцовой гравюры является «Мастер игральных карт», работавший в Базеле и в верховьях Рейна.

В данном случае мастер брал ровно прокованную и тщательно отполированную металлическую доску, на которую посредством ювелирного пунсона наносил рисунок, который затем проходил уже более основательным инструментом - резцом или штихелем. После этого в доску втиралась краска, снимались ее излишки, и можно было печатать лист.

Самым замечательным мастером XV столетия является немецкий гравер Мартин Шонгауэр, работавший в Кольмаре и Брейзахе. Его творчество, соединяющее в себе позднюю готику и ранний Ренессанс, оказали значительное влияние на немецких мастеров, в том числе Альбрехта Дюрера. Среди мастеров I половины XVI века стоит, кроме упомянутого А. Дюрера, отметить замечательного Луку Лейденского.

Из итальянских мастеров XV столетия наиболее значительны Андреа Мантенья и Антонио дель Поллайоло. В той же Италии в XVI веке возникло направление, предопределившее важную веху в развитии европейской гравюры - это было репродуцирование произведений живописи.

Возникновение репродукционной гравюры связано с именем Маркантонио Раймонди, который, работая до конца первой трети XVI столетия, создал посредством резца несколько сотен воспроизведений с работ Дюрера, Рафаэля, Джулио Романо и других.

В XVII веке репродукционная гравюра была чрезвычайно распространена во многих странах - во Фландрии, где было воспроизведено множество полотен, особенно Рубенса. Во Франции в это время Клод Меллан, Жерар Эделинк, Робер Нантейль и другие способствовали расцвету репродукционных гравированных портретов.

Поскольку как гравюра на дереве, так и резцовая гравюра на меди лишь исключительно в руках выдающихся мастеров представляли собой законченные превосходные произведения, исполненные художественной выразительности и живописности, то в начале XVI века возникает еще один вид гравюры на металле, который стал излюбленным жанром для многих великих художников - это офорт.

Основное его достоинство - легкость в изготовлении, чего нельзя сказать ни о резцовой гравюре, ни о ксилографии. Дело в том, что если в двух поименованных техниках нужно прорезать вручную линии на дереве или металле, то в офорте всю эту труднейшую работу выполняет кислота. Металлическая доска (в XVI чаще железная, в XVII-XVIII медная, позднее - цинковая), употребляемая для обычной резцовой гравюры, покрывается специальным грунтом, устойчивым к воздействию кислоты. На доску, посредством острой стальной иглы, проникая сквозь мягкий грунт, наносится рисунок. После этого доска помещается в азотную кислоту (медная - в раствор хлорного железа), и нанесенный иглой рисунок протравляется до желаемой глубины. После этого грунт смывается с доски, втирается краска и делается оттиск. В России раньше гравюра офортом называлась гравюрой крепкой водкой.

Особенно стали известны офорты французского мастера первой трети XVII века Жака Калло, воспроизводящие разнообразные, часто красноречивые, сцены современной жизни. Фламандская школа дала искусству прекрасного офортиста - Антониса ван Дейка, чьи портреты являются прекрасными образцами иконографии XVII столетия.

Но несомненно, что наиболее ценной и целостной является голландская школа офорта, которая в данном случае соперничает с живописью и нисколько ей не уступает. Эта школа представлена Адрианом Ван Остаде, Паулем Поттером, Херкюлесом Сегерсом… Но первенствующим мастером здесь является Рембрандт, который совершенно самостоятельно, без посторонней помощи, постиг искусство офорта и преодолел все трудности этой капризной техники. Рембрандт оставил более трехсот офортов во многих состояниях.

Примерно с середины XVIII столетия, как это ранее произошло и с резцовой гравюрой, появляется отдельное направление репродукционного офорта. Практически все увражи и книжные иллюстрации середины-второй половины XVIII века выполнены в этой технике.

Но если репродукционный офорт был в своем роде массовой продукцией для XVIII века, то оригинальный офорт продолжил свое существование и являлся «отдушиной» для многих художников-живописцев. Большую известность получили работы Франсиско Гойи, Джованни-Баттиста Тьеполо, Каналетто, Антуана Ватто, Франсуа Буше и многих других. Особняком стоит творчество архитектора и гравера Джованни-Баттиста Пиранези, который был, пожалуй, самым выдающимся офортистом этого века, который оставил много томов увражей с видами Рима, римских древностей, и даже темниц.

Если в XIX столетии, под воздействием новых печатных техник искусство офорта угасает, то к концу столетия оно расцветает с новой силой, причем уже не носит характера «иллюстрации», а воспринимается современниками как целостное художественное произведение. К офорту обращаются почти все знаменитые французские живописцы, начиная с барбизонцев (Камиль Коро, Шарль-Франсуа Добиньи и прочие), и заканчивая импрессионистами (особенно Эдуард Мане). Также многие из стран привнести в искусство офорта знаменитых мастеров: Андерс Цорн в Швеции, Адольф Менцель в Германии, Джеймс Уистлер в США, Иван Шишкин и Валентин Серов в России.

Кроме офорта как такового, этот вид эстампа приобретает в XVIII столетии еще несколько разновидностей, причем иногда в одном произведении мы можем наблюдать сочетание нескольких офортных техник одновременно.

Наиболее распространенной из них является акватинта - когда доску протравливают через нанесенную канифольную или асфальтовую пыль. Такое травление создает при печати эффект тонового рисунка, более всего при однотонной печати напоминающего гризайль. Дополнение акватинты к четкому, даже иногда резкому своими очертаниями чистому офорту, придает гравюре живописность и напоминает рисунок или акварель. Среди первых, кто начал использовать акватинту, был француз Жан Батист Лепренс - создатель знаменитых «Русских типов», а также Франсиско Гойя, использовавший ее в своих Капричос.

Именно Лепренс изобрел и еще одну дополнительную офортную технику - лавис. В этом случае изображение наносится смоченной в кислоте кистью прямо на доску. При отпечатке исполненные лависом фрагменты офорта являются как бы промежутком между чистым офортом и акватинтой.

Еще одна офортная техника, которой мы уделим внимание - это мягкий лак. При ее употреблении офортный грунт смешивается с жиром (из-за этого он легче отстает от доски), после чего на него накладывается зернистая бумага, по которой художник наносит свой рисунок карандашом достаточной твердости. Поскольку карандаш создает некоторое давление, грунт по линии рисунка пристает к бумаге, и затем снимается вместе с ней. Получившаяся доска с удаленными таким образом линиями рисунка подвергается обычному офортному травлению, и затем печатается. Этот способ был известен еще в XVII веке, но более как курьез, а применение он нашел только в XIX и, особенно, XX веке. Исполненная таким образом гравюра более всего напоминает рисунок углем или соусом. Наиболее известные мастера мягкого лака - Владимир Фалилеев, Елизавета Кругликова, и конечно Кэте Кольвиц.

Если мягкий лак техника довольно резкая и даже иногда грубая, то для воспроизведения рисунков в XVIII веке употреблялась так называемая карандашная манера. Здесь по подготовленной офортной доске рисунок наносится специальными рулетками, а полученный в результате оттиск зачастую можно спутать с рисунком сангиной или пастелью. Наибольшее число гравюр карандашной манерой выполнены во Франции в середине XVIII века и воспроизводят по преимуществу рисунки Франсуа Буше. Изобретателем этой техники является Жан Шарль Франсуа, которую затем усовершенствовал Жиль Демарто.

В гравюрах разнообразными офортными техниками зачастую встречается и пунктир. А между тем это одна из древних гравюрных техник, известная как немецких, так и в итальянских землях еще с конца XV века. Изображение на гравировальную доску наносится посредством молоточка и разнообразных стальных инструментов - пунсонов. Гравюра пунктиром достигла расцвета в XVIII веке, а одним из самых даровитых мастеров является Франческо Бартолоцци, работавший много в Англии, и обучавший первого русского гравера пунктиром Гавриила Скородумова. Что же касается офортного пунктира, то это, по сути, просто не линии, а точки, нанесенные офортной иглой.

Прежде чем приступить к рассказу о цветных гравюрах, мы должны рассказать еще об одной гравюрной технике. Речь идет о так называемой черной манере, называемой меццотинто. Черная манера имеет принципиальную особенность: изображение наносится и соответственно печатается не от белого к черному (когда краска заполняет желобки от резца или протравленного рисунка), а от черного к белому. Доска прежде обрабатывается специальным инструментом (гранильником), и если ее отпечатать в таком виде, то выйдет черный бархатистый оттиск. Гравер же сглаживает нужные ему участки, куда не пристанет краска, и где при оттиске получатся светлые места. Как часто бывает, расцвет черной манеры произошел не там, где она была изобретена.

Изобретателем ее является голландец Людвиг фон Зинген, который выполнил в 1642 году свою первую гравюру в этой технике. Меццотинто на немецких и голландских землях развивалась до середины XVIII столетия; примерно в то же время она стала известна в Англии, где и получила свое блестящее распространение в середине XVIII - начале XIX века, в результате чего ее иногда даже называют английской манерой. Из нескольких наиболее крупных имен мастеров этой техники в России прославился Джемс Уокер - автор множества превосходных портретов.

Теперь мы расскажем о цветных гравюрах. Они, как и классическая гравюра, могут быть выполнены как на дереве, так и на металле. Печатаются они с нескольких досок, что собственно и рождает цветное изображение.

Цветная гравюра на дереве зародилась в самом начале XVI века. Довольно долго изобретателем ее считался северо-итальянский гравер Уго да Карпи: поскольку тогда в Венецианской республике можно было запатентовать свое изобретение, то он заявил об этом в 1516 году, назвав технику печати Кьяроскуро. Хотя такая техника употреблялась в Европе и ранее: с 1506 года цветные гравюры с нескольких досок печатал Лукас Кранах, а затем Ганс Бургкмайр и другие художники.

И хотя Италия не может отстоять право изобретения цветной гравюры на дереве, она может по праву гордиться наилучшими образцами этого искусства. Именно Уго да Карпи создал превосходные композиции с оригиналов Рафаэля, а также других итальянских художников: Джулио Романо, Караврджо, Пармиджанино и прочих. Так XVI столетие дало нам самых лучших мастеров кьяроскуро; в XVII веке эта техника в Италии начала угасать, и практически выродилась к XVIII столетию.

Возрождение цветной гравюры на дереве началось в конце XIX-начале XХ века. Здесь мы можем отметить таких мастеров как швейцарец Феликс Валлотон, а также русских - Анну Остроумову-Лебедеву, Владимира Фалилеева и Ивана Павлова.

Что же касается цветной гравюры на металле, то еще в XVI веке мы отмечаем ее робкие попытки, даже правильнее сказать опыты. Именно печатанием цветного листа с нескольких досок около 1710 года занялся житель Голландии Жак Кристоф Леблон. Изначально он был гравером черной манерой, и, оставаясь сторонником трехцветной печати, использовал для нее три меццотинтные доски с разным цветом.

Но все опыты с цветной гравюрой на основе меццотинто оказались малоуспешны. И Только во Франции, с применением офортных досок, выполненных акватинтой и лависом, цветная гравюра начинает полноценное существование. На этой ниве работал и все тот же поклонник русских типов Жан Батист Лепренс - истинный подвижник и испытатель офортной доски. Но изобретение цветной лависной гравюры принадлежал Франсуа Жанине, а высшего совершенства она достигает в руках Луи Филибера Дебюкура, который с 1785 года целиком посвятил себя цветной гравюре. Количество досок в его цветных гравюрах доходило до восьми. Цветные французские гравюры этого периода по большей части замечательны и ценны.

Но все труднейшие техники XVIII столетия - меццотинто, сложные офорты и резцовые гравюры - в начале XIX столетия подверглись жесточайшему удару: немец Иоганн Алоиз Зенефельдер изобрел около 1798 года в Мюнхене совершенно новый способ печати - литографию. Это способ, относящийся к плоской печати, основан на отталкивании жиров от воды. Оттиски получают посредством переноса краски под давлением с печатной формы - литографского камня (известняка) - на бумагу. Изображение на камень наносится жирной тушью или литографским карандашом. Причем тираж при этом способе печати мог по числу оттиском во много раз превосходить все существовавшие на то время способы печати эстампов.

В 1806 году Зенефельдер открыл в Мюнхене первую литографскую мастерскую, и издал в 1818 году руководство по литографии, а в первой четверти XIX века практически во всех крупных европейских столицах заработали подобные мастерские. Этому, конечно, способствовал промышленный переворот, из-за которого столь легкий, относительно дешевый и одновременно тиражный способ стал настолько популярен.

Среди первых литографов, кроме самого Зенефельдера, кстати, совсем не художника, а актера и автора музыкальных пьес, можно отметить имена знаменитых немецких художников Франца Крюгера и Адольфа фон Менцеля. Также к литографии обращались Франсиско Гойя, Теодор Жерико и Эжен Делакруа.

Литография в середине XIX столетия стала острым политическим орудием. Именно в этом контексте представлен крупнейший мастер литографии - французский карикатурист Оноре Домье, искусство которого имело столь высокий резонанс, что даже в России во II половине века работало несколько крупных литографов-карикатуристов: Александр Лебедев, Петр Боклевский, Николай Степанов.

Что же касается русских литографов первой половины XIX века, то, как и за границей, к этому новому искусству проявили внимание прежде всего крупные русские художники - Алексей Орловский, Орест Кипренский, Алексей Венецианов. Крупнейшими русскими мастером-литографом этого времени был Карл Петрович Беггров.

Благодаря своей масштабной издательской деятельности прославился Василий Тимм, оставивший много сотен листов разного качества, но чрезвычайно любопытных по содержанию, нередко перерастающих в карикатуры. Литография в России стала и первым способом цветной печати. В этой технике прекрасный мастер Игнатий Щедровский издал в 1845 году «Сцены из русского народного быта».

В связи с литографией возникает множество разновидностей плоской печати, особенно это касается наиболее востребованных в последней трети XIX - начале ХХ века цветных изображений. Эти техники постепенно удаляются от непосредственно оригинальной работы художника, которая ныне именуется автолитографией, и переходят в разряд многотиражной графики. Хотя сейчас, в начале XXI века, многие даже многотиражные печатные произведения представляются замечательными образцами графического искусства.

Мы постараемся перечислить некоторые из них. Наиболее востребованной из техник была хромолитография. В этом случае для каждого цвета изображения изготавливалась отдельная печатная форма - камень (позднее - цинковая пластина), однако эти трудоемки способы были с изобретением фотографии довольно быстро вытеснены фотомеханическими способами перенесения изображения на печатную форму. Так появилась фотолитография, которая в конечном оттиске практически не отличается от хромолитографии.

В конце мы хотим больше сказать о фотомеханических способах изготовления печатных форм. Некоторые из таких способов почти неотличимы от оригинальных техник эстампа. Развитие они получили после того, как Луи Дагер объявил в 1839 году в королевском обществе об открытии им способе получения изображений на светочувствительных слоях, названном им дагерротипией, а ныне получившем название фотографии.

Наиболее распространенной в первой половине ХХ века была цинкография. В этом случае изображение наносится на форму не художником, а фотографическим переносом на цинковую пластину, которая затем подвергается травлению в тех участках изображения, где должен быть выбран грунт цинковой доски. Впервые цинкография была изобретена во Франции в 1850 году и была названа жиллотипией по имени ее изобретателя.

С помощью цинкографии при печати передаются как штриховые рисунки, так и многоцветные изображения (особенно копии с ксилографий), однако этим способом невозможно передать тоновое изображение. Стоит сказать, что некоторые художники в эволюции своих опытов над способами печати пробовали себя и в оригинальной цинкографии.

Та особенность, что столь удобная для печатания изображений техника не позволяет передавать тоновые изображения, заставила потрудиться многих талантливых печатников и инженеров, что привело к изобретению в 1880-х годах растра, а вместе с ним и новой техники высокой печати - автотипии. Словарь Брокгауза и Ефрона называет автотипию «одним из способов превращения рукописи, чертежа или фотографического снимка в клише для печатания». Изобретена она была одновременно в России и Германии. При этом тоновое изображение наносится на цинковую пластину посредством растровой сетки, которая разбивает тона на мелкие точки, распределенные равномерно; таким образом, размер точки будет зависеть от тона в конкретном месте оригинала. То есть в светлых местах точек почти не будет видно, а в темных наоборот, они велики и почти сливаются.

Как было уже с другими способами печати, автотипия со временем стала цветной. Она бывает трехцветной (с трех клише) и четырехцветной (соответственно с четырех), а современные машины иногда делают пять красочных слоев. Для лучшей передачи однотонных изображений иногда употребляется автотипия-дуплекс, где одно клише носит характер основного, а второе - дополнительного, с мягким тоном - голубой или палевой.

Еще один из способов фотомеханической передачи оригинала - фототипия. Изобретенная в 1855 году французским химиком Альфонсом Пуатвеном, она оказалась хотя и не такой тиражной, в отличие от цинкографии, хромолитографии и автотипии, однако позволяющей передать с большой точностью сложные художественные оригиналы. Именно эта особенностью фототипии было вызвано то, что историк гравюры Дмитрий Александрович Ровинский издавал атласы со всеми офортами Рембрандта и Ван Остаде в техники фототипии.

И, наконец, мы хоти сказать о гелиогравюре. Этот способ печати очень близок к офорту, но перед травлением изображение на доску наносится фотомеханическим способом. Он достаточно малопроизводителен, но выполненные с его помощью копии с классических гравюр и офортов немудрено на первый взгляд спутать с оригиналами.

Конечно, мы не можем на нескольких страницах описать всю эволюцию печатной графики. Но от робких первых опытов, изумительной классической гравюры, голландского офорта, превосходных, вобравших в себя все мастерство печатников и художников цветных гравюр XVIII века, фототипий и многоцветных автотипий ХХ века, все они представляют собой удивительные образцы искусства средневековья и нового времени.

Одно из самых известных произведений, где использован уникальный метод резьбы по металлу - Альбрехта Дюрера "Меланхолия". Она наиболее часто сопрягается с его именем, как, например, "Джоконда" неотъемлемо связана с Леонардо да Винчи.

Великолепное мастерство творца

Но прежде всего стоит остановиться на самой графике Дюрера, содержании его гравюр и на технике мастерства. Потому что, когда рассматриваешь его гравюры, в работах, которые называются резцовые гравюры на меди, удивляет невероятность технического совершенства творца. Она невероятно уникальна, сложна и трудоемка.

Именно Дюрер и создал эту технику резной гравюры на меди. Он брал резец, руку клал на специальную подушку, чтобы можно было долго удерживать ее в определенном положении. И в течение работы над своими шедеврами он не резцом водил по медной табличке, а передвигал саму доску под рукой. В последующем начинался процесс травления.

Необходимо обратить внимание на его замечательные произведения "Носорог", "Меланхолия", "Рыцарь, дьявол и смерть". Глядя на них, невозможно поверить в то, что это возможно выполнить таким способом. Какое огромное количество линий! И на сегодняшний гравюры на меди с травлением, которую создал Альбрехт Дюрер, уже никто не пользуется. Она пришла с этим экстраординарным мастером и с ним же ушла.

Три части великолепнейшего творения искусного мастера

Самая знаменитая гравюра, которую выполнил Альбрехт Дюрер - "Меланхолия". Она была создана в тысяча пятьсот четырнадцатом году. Если рассматривать ее очень внимательно, то можно заметить, что эта гравюра по горизонтальным линиям делится на три уровня.

Каждый из них представляет собой определенные ступени познания. Художник в этом произведении тщательно обозначает все эти уровни определенными атрибутами. Если достаточно внимательно всмотреться в предметы, которые изображены в нижнем ярусе, то можно увидеть там очень интересный набор.

Ремесленные инструменты или высокий уровень создания шедевра

Каждый инструмент с гравюры "Меланхолия" Дюрера, находящийся на этом уровне, относится к предметам ремесла: рубанок, щипцы, угольник, молоток и гвозди. А самая впечатляющая вещь - это шар идеальной формы. Именно он и является признаком очень высокого мастерства.

В эпоху Альбрехта различные учения, технические навыки, умение что-то мастерить собственными руками, знание анатомии, которую представляет животное, свернувшееся в левом углу гравюры, - все это требовало высочайших уровней образования.

В основе всего этого лежало обладание довольно кропотливым техническим мастерством. И любой инструмент с гравюры "Меланхолия" Дюрера, подчеркивал присутствие каждого из этих знаний. А если мастер мог сотворить подобную сферу, значит, он имеет возможность перейти на следующий уровень обучения.

Альбрехт Дюрер. "Меланхолия". Высокое качество ремесла или следующий уровень интеллекта

На среднем уровне видны самые разнообразные атрибуты. И они, на первый взгляд, не имеют между собой никакой связи. Симпатичный ангелочек занят чтением книги. При этом восседает он на верхней части жернова. По всей вероятности, этот милый мальчик с маленькими крыльями представляет область некоего интеллектуального развития.

У пояса одеяния персонажа, который находится справа от ангела, пристегнут кошелек. Но он лежит у ее ног. Потому что деньги - это соответствующая оплата труда только при конкретно проделанной работе. И она возможна, если использовать любой инструмент с гравюры "Меланхолия" Дюрера, который расположен в нижней части картины, относящейся к ремесленному мастерству. А оценить невозможно, он не имеет соответствующей оплаты, поэтому кошелек тоже находится на нижнем ярусе.

Огромный кристалл, находящийся на среднем уровне произведения

Но главное место во второй части картины занимает огромнейший кристалл. Это образ того, что является целью для любого алхимика. В дни жизни Альбрехта, в эпоху позднего Средневековья, мастерство ремесленника оценивалось по искусству создания шара, а высшая степень интеллектуальных познаний или абсолютно ученого человека принадлежала тому, кто знал теорему ученого Ибн Сины о сумме углов многоугольника.

С этим законом был знаком и сам Альбрехт Дюрер. "Меланхолия" показывает зрителю кристалл. Он и есть многоугольная фигура, представляющая теорему известного ученого. А неподалеку лежит инструмент геолога, показывающий, что такой камень можно добыть не алхимическим путем, а более естественным. И еще один инструмент с гравюры "Меланхолия" Дюрера - это тигель алхимика, где идет процесс трансмутации, расположен чуть дальше - за кристаллом.

Произведение, повергнувшее в изумление весь мир

И, наконец, третий пояс - это нечто невероятное. С правой стороны можно увидеть очень большую башню, которая уходит вверх и никогда не заканчивается. Также как и лестница, приставленная к ней и уходящая в небо. На самом здании можно увидеть два замечательных предмета.

Это песочные часы, выражающие образ времени, и магическая таблица Дюрера, где как по вертикали, так и горизонтали получается цифра тридцать два. Выше таблицы расположен набат, а веревка от него уходит за очертания картины, которую создал Альбрехт Дюрер.

"Меланхолия" представляет зрителю эту башню как символ того, что невозможно изучить абсолютно все истины. Есть вещи, которые безграничны для познаний человеческого разума. И включают они в себя не только мастерство ремесленника и интеллектуальное образование, но и магические учения.

В Германии в галерее "Кунстхалле" находится сама гравюра "Меланхолия" Дюрера. В хорошем разрешении представленные здесь изображения, конечно, не позволяют ощутить все совершенство работы автора произведения, которое повергло в изумление весь мир. Но, тем не менее, помогают изучить этот шедевр и составить его анализ.

Часть произведения, относящаяся к земному существованию

Произведение, которое при помощи техники резьбы по меди создал Альбрехт Дюрер - картина "Меланхолия", представляющая и земной ландшафт, расположенный в левом верхнем углу гравюры. Безгранично яркие сияющие лучи от далекой звезды. Есть легенда, что здесь изображена которая пронеслась по небосводу именно в то время.

Но главный персонаж - это летучая мышь, которая и относится к символу меланхолии. Она в своих лапах над звездой, радугой, водой и всем ландшафтом несет карту этой душевной болезни всех гениев. Огромные знания порождают скорбь. Чем больше знает человек, тем глубже он видит и погружается в черную меланхолию.

Образ гения или черной меланхолии

Последняя фигура, которую показал Дюрер - меланхолия. Фото, представленное здесь, показывает образ гения или черной меланхолии, созданный художником. У нее огромные крылья необыкновенного размаха. Как очень большие крылья ангела. А в руках она держит циркуль.

Этим Альбрехт Дюрер хотел дать понять, что любая безграничность познания должна быть доказана, вымерена и выверена. Все должно быть под контролем. А на голове у фигуры - цветущий терн, который пока еще не облетел и не врезается своими шипами в чело.

И, возможно, именно этот образ меланхолии, который показал художник, с таким печальным взглядом и так много в себе объединяющий, и есть один из его автопортретов, только в образе.

Альбрехт Дюрер - единственный среди мировых художников, который имеет невероятное количество автопортретов. Первый он нарисовал, когда был еще совсем мальчиком. А затем начинается череда бесконечных собственных изображений до самого последнего, где он стоит, указывая на поджелудочную железу. Он как будто сам ставит себе диагноз.

И эта знаменитая гравюра "Меланхолия" Альбрехта Дюрера выражает, прежде всего, тему судьбы. И все знания, представленные на ней, три уровня познания наук и мастерства, по мнению автора, в конечном итоге рождают меланхолию. За все нужно платить очень высокую духовную цену. Так величайший творец передал в этой картине свое душевное состояние.

    - (от франц. gravure), 1) печатный оттиск на бумаге (или на сходном материале) с пластины (доски), на которой нанесён рисунок. 2) Вид искусства графики, включающий многообразные способы ручной обработки досок и печатания с них оттисков.… … Художественная энциклопедия

    - (от франц. gravure) 1) печатный оттиск на бумаге (или на сходном материале) с пластины («доски»), на которой вырезан рисунок; 2) вид искусства графики (См. Графика), включающий многообразные способы ручной обработки досок (см.… … Большая советская энциклопедия

    гравюра - ГРАВЮРА1, ы, ж Вид изобразительного искусства, воспроизводящий действительность в плоскостных формах; произведение представляет собой плоскостное изображение, полученное на бумаге с печатной формы, вырезанной или вытравленной гравером на… … Толковый словарь русских существительных

    ГРАВЮРА - [от франц. gravure], вид графического искусства; техника обработки досок (пластин, форм) гравирование для получения оттисков изображений на бумаге, ткани и т. п.; печатный оттиск. Евангелист Лука. Гравюра из «Апостола» И. Фёдорова. М., 1564 (РГБ) … Православная энциклопедия

    Штихели инструменты для торцовой гравюры … Википедия

    Ы; ж. [франц. gravure] 1. Рисунок, вырезанный или вытравленный гравёром на гладкой поверхности какого л. твёрдого материала; печатный оттиск такого рисунка. Г. на дереве, на камне, на металле, на линолеуме. Г. резцом, иглой на меди. Цветная г.… … Энциклопедический словарь

    Гравюра - (от франц. graver вырезать, восходит к лат. grave тяжело, глубоко) вид графич. иск ва, в к ром изображение получается в виде печатного оттиска (обычно на бумаге) с печатной формы пластины (доски) из металла (меди, стали, цинка), дерева или… … Российский гуманитарный энциклопедический словарь

    Назв. оттиска печатной продукции, полученного с помощью гравированного клише оригинала, точно передающего мелкие детали авторского рис. В зависимости от материала, на кот. гравируется клише оригинал, различают гравюру на металле… … Большой филателистический словарь

    гравюра - ы; ж. (франц. gravure) см. тж. гравюрный 1) Рисунок, вырезанный или вытравленный гравёром на гладкой поверхности какого л. твёрдого материала; печатный оттиск такого рисунка. Гравю/ра на дереве, на камне, на металле, на линолеуме. Гравю/ра резцом … Словарь многих выражений

    У этого термина существуют и другие значения, см. Адам и Ева (значения) … Википедия

    У этого термина существуют и другие значения, см. Меланхолия (значения) … Википедия

Книги

  • Гравюра и литография. Очерки истории и техники , Составитель И. И. Леман. В уникальном всеобъемлющем издании подробно рассказано о разновидностях произведений графического искусства, приведены отличительные признаки основных техник -гравюры на дереве, меди и…
  • Гравюра на металле. К 115 -летию Русского музея , Редактор: Вера Казарина. Вашему вниманию предлагается альбом, в который вошли гравюры на металле из собрания Русского музея. Резцовая гравюра на металле появилась в середине XV века. Долгое время считалось, что…
  • Русская гравюра на меди второй половины XVII - первой трети XVIII века (Москва, Санкт-Петербург): Описание коллекции отдела изоизданий Российской государственной библиотеки , М. Е. Ермакова, О. Р. Хромов. Коллекция ранней русской гравюры Российской государственной библиотеки включает произведения всех крупных мастеров второй половины XVII - первой трети XVIII века: Василия Андреева, Леонтия…